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  • Playing in a band

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       By practicing alone you can become excellent musicians, especially if you are able to concentrate on your tasks, but when you start playing together with others your musical education will benefit enormously as well as guaranteeing guaranteed fun…

     

    The Roles

    Playing together with other musicians doesn’t necessarily mean smashing each other’s eardrums with the amplifier volumes at maximum (at least not right away):you can start making some music together with another guitarist, for example, and see what happens .

    You will soon realize that playing two instruments in the same way (with or without two voices singing the same text or melody) will get boring rather quickly. Two guitarists rehearsing together almost instinctively begin to take on different roles, playing complementary parts and possibly harmonizing the vocal ones: when this happens, you are starting to create an arrangement.

     

    To each his own

     

          The list of acoustic classics with interesting guitar parts, from simple duets like the Stones’ Wilde Horses and Guns N’ Roses’ Patience, to more complex two-guitar intros like I’ve Just Seen a Face, is practically endless. What they have in common is the fact that the musicians collaborate with the aim of building sounds that work, both thanks to well-written and corresponding parts, and because somehow the composition creates an atmosphere that transmits unique emotions to the listener.

    The most useful tools to achieve something valid by playing with other musicians are the ears (listening skills) and communication; for example when you work on your own composition, you give free rein to your personal creativity, without however criticizing the ideas of others too much. When you meet the ideal musicians to form the nucleus of a band, you will understand it immediately.

     

    Form a group

     

        How many famous groups do you know whose personnel never changed from their inception until their decline? It has happened to some, but generally a band is forced to make numerous changes before finding the right lineup. Furthermore, if your technical skills have already advanced to the point that the rest of the group requires a high technical level, you may be forced to recruit other musicians outside of your close circle of friends.

     

     

     

    Finding the right partners

     

         Many bands are formed between neighborhood friends or classmates who share the same musical interests. A beginner, however, will do well to broaden his possibilities by also looking at different schools and elsewhere. Actively participating in musical initiatives even outside your city could prove to be a winning choice as well as asking the musicians you know and appreciate most if they are available to play with you or trying to participate in some sessions with other groups. Always present yourself as seriously motivated musicians who intend to start a band with other equally determined people. If you have organizational skills and business acumen, let these qualities shine through, which many professional-level musicians appreciate. And, logically, we must try to play well, otherwise all the good intentions will not stand up to the test of facts.

     

    Get serious

     

         More experienced musicians can consult advertisements in sector magazines and on the Internet, to participate in auditions or to look for other colleagues. If you already have a band the situation is simplified as the other musicians will contact you. Scrupulously examine potential suitors, but always treat them with respect, even if they aren’t right for you. In the end you will be able to form a promising group from a musical point of view, capable of at least giving you an opportunity to have fun and go some distance together. At that point you will be ready to start trying.

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  • The Sound of Silence / Simon & Garfunkel

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    Breve introduzione

     

       La canzone The Sound of Silence di Simon and Garfunkel, datata ai primi anni ’60, è un capolavoro musicale che colpisce sia per la sua melodia coinvolgente che per il significato profondo del testo.

    Questa canzone affronta il tema dell’incomprensibilità umana, evidenziato sin dal titolo attraverso un poetico ossimoro: “il suono del silenzio”.

    The Sound of Silence è una canzone che cattura l’anima dell’incomunicabilità umana e dell’isolamento che spesso ricorriamo.

    Tramite metafore evocative e una melodia coinvolgente, Simon and Garfunkel ci invitano a ragionare sulla nostra incapacità di unire effettivamente con gli altri.

     

    Short introduction


    The song The Sound of Silence by Simon and Garfunkel, dating back to the early 1960s, is a musical masterpiece that strikes both for its engaging melody and for the profound meaning of the lyrics.

    This song addresses the theme of human incomprehensibility, highlighted right from the title through a poetic oxymoron: “the sound of silence”.

    The Sound of Silence is a song that captures the soul of the human incommunicability and isolation that we often experience.

    Through evocative metaphors and an engaging melody, Simon and Garfunkel invite us to think about our inability to truly unite with others

     

    Text

     

    Hello darkness, my old friend
    I’ve come to talk with you again
    Because a vision softly creeping
    Left its seeds while I was sleeping
    And the vision that was planted in my brain
    Still remains
    Within the sound of silence

    In restless dreams I walked alone
    Narrow streets of cobblestone

    ‘Neath the halo of a street lamp
    I turn my collar to the cold and damp
    When my eyes were stabbed by the flash of a neon light
    That split the night
    And touched the sound of silence

    And in the naked light I saw
    Ten thousand people maybe more
    People talking without speaking
    People hearing without listening
    People writing songs that voices never shared
    No one dared
    Disturb the sound of silence

    “Fools,” said I, “you do not know
    Silence like a cancer grows
    Hear my words that I might teach you
    Take my arms that I might reach you”
    But my words like silent raindrops fell
    And echoed in the wells of silence

    And the people bowed and prayed
    To the neon god they made
    And the sign flashed out its warning
    In the words that it was forming
    And the sign said “The words of the prophets are written on the subway walls
    And tenement halls
    And whispered in the sound of silence”

     

    The Sound of Silence traduzione

     

    Salve oscurità, mia vecchia amica
    sono venuto a parlarti nuovamente
    perché una visione che fa dolcemente rabbrividire
    ha lasciato i suoi semi mentre dormivo
    e la visione che è stata piantata nel mio cervello
    ancora persiste
    nel suono del silenzio

    Nei sogni agitati io camminavo solo
    attraverso strade strette e ciottolose

    sotto l’alone di un lampione
    sollevo il mio colletto al freddo e all’umidità
    quando i miei occhi furono colpiti dal flash di una luce al neon
    che spaccò la notte
    e toccò il suono del silenzio

    E nella nuda luce vidi
    dieci migliaia di persone forse più
    persone che parlavano senza dire niente
    persone che sentivano senza ascoltare
    persone che scrivevano canzoni che non ne avevano mai condiviso le voci
    nessuno osava
    disturbare il suono del silenzio

    “Stupidi” io dissi, “voi non sapete
    il silenzio cresce come un cancro
    ascoltate le mie parole che potrei insegnarvi
    prendete le mie braccia che potrei raggiungervi
    Ma le mie parole caddero in silenzio come gocce di pioggia
    e riecheggiarono nelle sorgenti del silenzio

    e la gente si inchinò e pregò
    al Dio neon che avevano creato.
    e l’insegna proiettò il suo avvertimento,
    tra le parole che stava formando.
    e l’insegna disse “le parole dei profeti sono scritte sui muri delle metropolitane
    e sui muri delle case popolari.
    E sussurrò nel suono del silenzio”

     

    Sheets

     

     

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  • Suonare in gruppo

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        Esercitandovi da soli potete diventare ottimi musicisti, soprattutto se siete in grado di concentrarvi sui vostri compiti, ma quando inizierete a suonare insieme ad altri la vostra educazione musicale si avvantaggerà enormemente oltre a garantirvi un divertimento assicurato…

     

    I ruoli

     

       Suonare insieme ad altri musicisti non vuol dire necessariamente spaccarsi reciprocamente i timpani con i volumi degli amplificatori al massimo (almeno non subito): si può iniziare a fare un pò di musica d’insieme con un altro chitarrista, per esempio, e vedere cosa succede.

    Vi accorgerete ben presto che suonando due strumenti nello stesso modo (con o senza due voci che cantano il medesimo testo o melodia) ci si annoia piuttosto rapidamente. Due chitarristi che provano insieme iniziano quasi istintivamente ad assumere ruoli diversi, suonando parti complementari ed eventualmente armonizzando quelle vocali: quando vi succederà, state iniziando a creare un arrangiamento.

     

    A ciascuno il suo

     

        L’elenco dei classici acustici con interessanti parti per chitarra, dai semplici duetti come Wilde Horses degli Stones e Patience dei Guns N’Roses, alle più complesse introduzioni a due chitarre come quella di I’ve Just Seen a Face, é praticamente infinito. Ciò che li accomuna è il fatto che i musicisti collaborano allo scopo di costruire sonorità che funzionano, sia grazie a parti ben scritte e corrispondenti tra loro, sia perché in qualche modo la composizione crea un’atmosfera che trasmette all’ascoltatore emozioni uniche.

    Gli strumenti più utili per realizzare qualcosa di valido suonando con altri musicisti sono le orecchie (capacità di ascolto) e la comunicativa; per esempio quando lavorate a una vostra composizione, lasciate  libero sfogo alla creatività personale, senza però criticare troppo le idee degli altri. Quando incontrerete i musicisti ideali per formare il nucleo di una band, lo capirete subito.

     

    Formare un gruppo

     

         Quanti gruppi famosi conoscete il cui organico non è mai cambiato dagli esordi fino al declino? A qualcuno è successo, ma in genere una band è costretta a numerosi avvicendamenti prima di trovare la formazione giusta. Inoltre, se le vostre capacità tecniche sono già avanzate al punto da rendere necessario un livello tecnico elevato anche da parte del resto del gruppo, potreste essere costretti a reclutare altri musicisti al di fuori della ristretta cerchia di amici.

     

    Trovare i partner giusti

     

         Molte band si formano tra amici di quartiere o compagni di scuola che condividono gli stessi interessi musicali. Un principiante però farà bene ad ampliare le proprie possibilità cercando anche in scuole diverse e altrove. Partecipare attivamente alle iniziative musicali anche fuori dalla vostra città potrebbe rivelarsi una scelta vincente come anche chiedere ai musicisti che si conoscono e apprezziamo maggiormente se sono disponibili a suonare con voi oppure provare a partecipare a qualche session con altri gruppi. Presentarsi sempre come musicisti seriamente motivati e intenzionati a dare vita a una band con altre persone altrettanto determinate. Se avete doti organizzative e senso degli affari , lasciate trasparire queste qualità, che molti musicisti di livello professionale apprezzano. E, logicamente, bisogna cercare di suonare bene, altrimenti tutti i buoni propositi non reggeranno alla prova dei fatti.

     

    Fare sul serio

     

         I musicisti più esperti possono consultare gli annunci sulle riviste di settore e su Internet, per partecipare a provini o per cercare altri colleghi. Se già avete una band la situazione si semplifica in quanto saranno gli altri musicisti a contattarvi. Esaminate scrupolosamente gli eventuali pretendenti, ma trattateli sempre con rispetto, anche se non dovessero fare al caso vostro. Alla fine riuscirete a formare un gruppo promettente dal punto di vista musicale, in grado quantomeno di darvi un’occasione di divertimento e di fare un pezzo di strada insieme. A quel punto sarete pronti per iniziare a provare.

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  • Il barré

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    La mano sinistra

     

    “La mano sinistra di un chitarrista – afferma Barney Kessel – è alla base di tutto. Il fraseggio, gli accordi, il senso armonico dipendono dalla mano sinistra. La destra agisce di conserva.” Kessel è un chitarrista jazz: ma anche un suo collega ” classico” la penserebbe così. L’impostazione corretta della mano sinistra è infatti quella che dà i migliori risultati, perché permette alle dita di rinforzarsi molto rapidamente, e ne sfrutta in pieno l’ agilità.

    Osserviamo la figura sotto: il gomito e il polso si piegano in avanti, in modo che il braccio e la mano formino un arco, con naturalezza, senza sforzo, mentre le dita sono parallele ai tasti metallici. Il pollice si appoggia dietro il manico ( la sua posizione ideale è esattamente dietro il dito medio e a livello delle due corde centrali), senza mai sporgere sopra la tastiera. Non piegate mai il polso all’indietro! Tenete il palmo ben staccato dal manico, e premete le corde proprio con la punta dei polpastrelli, curando che le dita siano perpendicolari al piano della tastiera. Le unghie devono essere cortissime.

     

     

    Il barré

     

    Barré” (o barra) è una parola che spesso spaventa i principianti; in realtà non c’è nulla da temere: con un’impostazione corretta della mano sinistra supererete agevolmente anche questa prima difficoltà. Il barré si esegue con il dito indice della mano sinistra che si stende parallelo ai tasti metallici, sostituendo, in effetti, il capotasto della chitarra. 

    Il barré consente di effettuare qualsiasi genere di accordo lungo l’intera tastiera. Infatti se l’indice è impegnato sulle sei corde , le altre tre dita (medio, anulare e mignolo) hanno la possibilità di posizionarsi nei vari tasti e premere tre diverse corde a valle del tasto su cui preme l’indice.

     Si indica il barré con una B maiuscola seguita dal numero del tasto su cui va realizzato.

     

    Le immagini sopra mostrano il barré grande (o intero): l’indice poggia trasversalmente sulla tastiera così da premere tutte le corde su uno stesso tasto. È importante fare attenzione a che, mentre si effettua il barré, le corde non capitino tra le piegature delle falangi del dito, perché in questo caso non riusciranno ad esercitare la giusta pressione. Il polso non deve mai piegarsi all’indietro: se osserviamo la figura in alto notiamo lo spazio fra il palmo della mano e il manico della chitarra.

    Nella figura sotto, invece, la mano è vista dal retro: il pollice esercita una forte pressione sul manico, e non deve mai sporgere sopra la tastiera.

     

     

    Barré piccolo

     

    Esiste un altro tipo di barré: il barré piccolo (o mezzo barré), che si limita alle prime tre o quattro corde. Si indica con il segno di 1/2 seguito dalla B e dal numero indicante il tasto. Come potete vedere nel disegno sotto, è anche possibile premere più corde con uno stesso dito, diverso dall’indice, ma questo richiede una certa abilità. Iniziare ad esercitarsi con il mezzo barré può essere un buon metodo per far pratica con esso senza iniziare subito con il barré intero.

     

     

    Esercizi utili

     

    1.

    Un esercizio utile può essere quello di posizionarsi con il dito indice su un qualsiasi tasto della porzione centrale della tastiera applicando il mini-barré con solo le prime due corde: il mi ed il si per intenderci, dopodiché, scorrere verso la sinistra fino a raggiungere il primo tasto per poi tornare al tasto di partenza suonando con la mano destra una volta la seconda corda e poi la prima.

    2.

    Proseguire l’esercizio portando il mini barré questa volta a tre corde  suonandole  dall’alto verso il basso o il contrario, (non è importante l’ordine o il tipo di arpeggio che applicate con la mano destra, ma che invece verifichiate che il suono sia pulito), scorrere lungo la tastiera di tasto in tasto verso sinistra fino ad arrivare al primo tasto e poi ritornare al tasto di partenza.

    3.

    L’esercizio prosegue aumentando ancora il barré di una corda, arriviamo a premere ,quindi, quattro corde, continuare allo stesso modo scorrendo verso sinistra, tasto per tasto, poi arrivare a cinque corde ed infine al barré completo con tutte e sei le corde.

    4.

    Si può suddividere questo esercizio in più sessioni di studio in modo da non affaticarsi troppo, anzi, in caso di affaticamenti o qualsiasi fastidio, è consigliabile fermarsi, riposarsi il tempo necessario affinché il fastidio non si avverte più, quindi riprendere. In questo tipo di esercizio l’importante è la costanza: meglio dieci minuti al giorno che non trenta minuti o più una volta ogni tanto, e ripeto, quando si avverte qualsiasi tipo di fastidio sospendere immediatamente e riprendere quando la mano e il polso si sono completamente riposati. Questo esercizio, applicando il barré aumentando gradualmente le corde da premere, dovrebbe consentirvi di arrivare a suonare il barré intero con più facilità, ed in ogni caso, mai arrendersi perché nella maggior parte dei casi è solo questione di tempo ma poi si riuscirà a suonarlo senza problemi.

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  • Harmonic Turns

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    Have you ever heard of harmonic turns? Surely. In any case, even if you don’t know what they are, don’t be scared: they are simpler than you can imagine. In fact, it is a question of having a circle of agreements, a succession of agreements that is repeated over time. For example, if I take the chords of C major and D minor, and decide to repeat this sequence of chords several times over time, a harmonic circle will be created

     

    The harmonic round is therefore a succession of chords that are repeated in the same order for the entire duration of the piece within a specific key.

     

    The harmonic turn often takes its name from the first of the chords on which it is built: for example, the C turn is built on the chords of C major, A minor, F major and G major, while the D turn is built on the chords of D major, B minor, G major and A major.

    This succession is obtained by following certain theoretical rules. In addition to having a didactic purpose, the harmonic circle is often used as a basis for improvisation and constitutes the basic harmonic structure of many pieces, particularly in pop music.
    The harmonic turn is obtained, within a given key, by taking four chords built on as many degrees of the major scale. In this regard, we consider the harmonization of the major scale reported below

     

     

     

    The harmonic round involves the use of the four chords found on the 1st, 2nd, 5th and 6th degree of the major scale. These chords, however, are played in the following sequence: I -VI -II -V, or in the variant: I -VI -IV -V. So in the case of the key of C major: C, A min, D min, G; or C, A min, F, G (in Italy it is commonly referred to as the “giro di C” or even “the barber’s tour” with reference to Gioacchino Rossini’s The Barber of Seville).

                                                                                  Turn of C

    A characteristic of harmonic turns is that the 5th degree chord is played as a seventh.

    Below is the table with all the harmonic turns in all keys:

    However, the main harmonic turns have already been built by others before us and it is good to know them because they are found everywhere (but especially in light and pop music).

    Examples:

    Turn of C:

    On the keyboard:

    On the guitar:

     

    Turn of G:

    On the keyboard:

     

    On the guitar:

     

    Turn of F:

    On the keyboard:

    On the guitar:

     

    Turn of Blues:

    On the keyboard:

     

    On the guitar:

     

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  • Come leggere il tabulato

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    Il tabulato e gli schemi degli accordi

     

        Per rappresentare gli accompagnamenti possiamo servirci del tabulato, contrassegnato dalla sigla TAB, che lo distingue dagli schemi della tastiera e degli accordi.

     

         Negli SCHEMI DEGLI ACCORDI le corde sono poste verticalmente, e i numeri indicano le dita da usare per premerle. Le linee orizzontali rappresentano i tasti, e X indica le corde da non suonare.

     

        Nel TABULATO le corde sono rappresentate orizzontalmente, e i numeri indicano i tasti su cui bisogna premerle. Le linee verticali rappresentano le battute; lo zero indica le corde da suonare a vuoto, senza premerle. Le corde che non recano nessun numero non vanno suonate.

    Gli Accompagnamenti

     

        Gli accompagnamenti non arpeggiati si descrivono con delle frecce, indicando gli accordi, per brevità, soltanto con le loro sigle, senza mettere numeri sul tabulato:

      Le corde non attraversate dalla freccia non si devono suonare. I movimenti in GIÙ si indicano con frecce dirette dalle corde più basse verso quelle più acute ( e cioè verso l’alto); viceversa per i movimenti in SU.

    Segni Convenzionali

     

       

        Questo è il tabulato, che serve a coloro che non sanno leggere la musica; le linee orizzontali raffigurano le corde. Le corde da pizzicare sono contrassegnate con un pallino: in questo caso sono rappresentate le note prodotte dalle corde a vuoto, riportate anche sul pentagramma. Gli esercizi per chitarra  presentati in questo sito saranno sempre riprodotti nelle due versioni: sul pentagramma e sul tabulato.

    Per consultare gli esercizi : “Tocco non appoggiato o libero

     

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  • Tocco non appoggiato o libero

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       Il tocco non appoggiato o tocco libero si realizza nel seguente modo:

       Le dita indice, medio ed anulare della mano destra pizzicano le corde in verticale dal basso verso l’alto. La piegatura delle falangi deve essere molto lieve, in modo tale da evitare la posizione cosiddetta ad artiglio. Il dito una volta pizzicato la corda rimarrà sospeso vicinissimo alla corda pronto per eseguire  la pulsazione successiva.

       Il tocco non appoggiato dà un suono di volume normale,  non molto incisivo e si contrappone, fa da contrasto,  al tocco appoggiato il quale incidendo con tutto il peso del dito dà un suono chiaramente maggiore. Il tocco non appoggiato si predispone per l’esecuzione delle formule arpeggi veloci, altrimenti impossibile da suonare con il tocco appoggiato.

     

    Primo esercizio

       In questo primo esercizio useremo la sequenza delle dita  indice  medio  indice medio su tutte e sei  le corde, cominciando dalla prima corda (che è il mi cantino); indice, medio, indice, medio sulla seconda corda e così via fino a raggiungere la sesta corda (mi basso) per poi tornare verso la prima corda. Durante questo esercizio facciamo attenzione a che le dita mantengano la stessa posizione che avevano in  partenza  sul mi cantino e che non si incurvino eccessivamente man mano che salgono verso il mi basso,  bensì sarà l’avambraccio a salire lievemente consentendo alle dita di mantenere la corretta posizione (leggermente incurvata), per tutte e sei le corde.

       Soprattutto a chi è proprio agli inizi consiglio di fare attenzione a che il pollice non si incunei sotto il palmo della mano. È un difetto che può capitare spesso in particolar modo a chi è agli  inizi. Se trascuriamo di osservare il pollice che tende ad essere un pò indisciplinato in questa fase,  diventerà più  difficile correggere questa cattiva abitudine in seguito. Quindi teniamo sotto stretta osservazione tutte le dita ma anche il pollice prestando attenzione a che non  vada a nascondersi sotto il palmo della mano ma che sia naturalmente steso e mantenga  una  posizione rilassata. 

       Tenete presente che le note che compongono quest’esercizio sono del valore di 1/4 ciascuna, il che significa che il loro valore risulta la quarta parte di un intero (semibreve). Un intero, su un tempo di 4/4 occupa un’intera misura (battuta).

       Prima di iniziare l’esercizio vi consiglierei di controllare lo  schema e leggere il pentagramma ed il tabulato che si riferiscono  alla mano destra.

     

    Secondo esercizio

      È praticamente uguale al primo: cambia solo l’alternarsi delle dita. Invece che indice medio, alterneremo le dita, quindi: medio indice, medio indice sulla prima corda; medio indice  medio  indice sulla seconda corda e cosi via. Dovete cercare di dare alla scansione delle quattro note una certa regolarità ritmica. Vi consiglierei di cominciare con un tempo piuttosto lento e di accelerarlo gradatamente. Curate la sonorità. Tenete presente che deve risultare uguale, sia quando si pizzica con l’indice, sia quando si pizzica con il medio. Quindi non suoniamo una nota forte ed una piano,  o una veloce e una lenta, ma dobbiamo mirare ad ottenere suoni omogenei, della stessa durata e dello stesso volume, tenendo presente che il suono deve risultare uguale, sia quando si pizzica con l’indice, sia quando si pizzica con il medio.

     

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  • Come tenere il plettro

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         È fondamentale avere una corretta impostazione della mano che tiene il plettro perché ci consentirà di acquisire agilità e scorrevolezza nelle esecuzioni. Occorre mantenere la mano rilassata, e lo sarà se appoggeremo l’avambraccio al piano superiore della chitarra. Il plettro è tenuto tra il pollice e l’indice e pizzica con la parte appuntita le corde.

     

        Occorre sempre un pò di tempo prima di sentirsi a proprio agio con il plettro in mano: poiché si ha l’impressione che sfugga, siamo tentati di stringerlo il più possibile, col risultato di ottenere suoni incerti, disomogenei, con un brutto timbro e disturbati da un eccessivo “rumore di plettro”; senza contare che affaticheremo il braccio rischiando anche qualche crampo.

     

    Gli errori da evitare

     

        Osservate le figure per controllare se lo impugnate correttamente. Tutta la mano deve risultare morbida, con le dita leggermente piegate; il pollice è dritto e si appoggia col polpastrello, sulla prima articolazione dell’indice: in mezzo si trova il plettro, grazie all’ampia superficie di contatto, resterà ben saldo tra le dita senza bisogno di stringere troppo.

     

    Se il pollice è piegato, come nella figura in alto, il plettro tende a sfuggire in quanto la punta del pollice non sarà sufficiente per trattenerlo.

     

     

        Lo stesso inconveniente si presenta quando l’indice è troppo piegato e il plettro si trova sotto l’articolazione del pollice, come mostra la figura sopra.

        Ora che teniamo il plettro nella posizione corretta dobbiamo evitare assolutamente di stringerlo per evitare di incidere negativamente sulla qualità dei suoni. Nella fase iniziale è più importante controllare la scorrevolezza delle pennate in su e in giù, che dipende soprattutto dalla morbidezza della mano.

        Il movimento deve venire dal polso, che va tenuto morbido, e non dalle dita né dal braccio, che resterà fermo e rilassato. Abbiamo cura di controllare l’angolazione del plettro, che deve essere parallelo alle corde, per evitare perdite di suono e “rumore di plettro”, e perpendicolare alla tavola armonica, affinché le pennate in giù e in su risuonino allo stesso modo.

        Infine, non cediamo alla tentazione di usare un plettro troppo morbido, che produce un suono fiacco e una perdita di volume.

     

     

     

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  • Backing Track

    Acoustic Guitar Rock Backing Track

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  • Accordare la chitarra 🎸

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    Accordare la chitarra

     

     

     

    Accordare la chitarra significa fare in modo che ad ogni corda corrisponde il suono giusto. Ciò si ottiene con un’esatta tensione delle corde. 

    Anche una semplice variazione di temperatura può alterare questa tensione, perciò lo strumento deve essere costantemente accordato. 

    La tensione delle corde è regolata per mezzo delle chiavette (o meccaniche) che si trovano inserite nella paletta, posta all’estremità del manico.

    Se il suono prodotto dalla corda è più basso di quello voluto, bisogna girare la relativa chiavetta in avanti: così facendo la tensione aumenterà e il suono diventerà più acuto. Si procederà all’inverso per abbassarlo. Questa operazione, apparentemente difficile, diverrà col tempo naturale e di facile esecuzione. 

    Per accordare la chitarra è necessario un suono di riferimento: è la nota la. Possiamo ottenerla mediante uno strumento acustico: il diapason, in commercio nei due tipi “a percussione ” o “a fiato”. Il diapason è anch’esso, in un certo senso, uno strumento musicale creato per produrre una sola nota. Il suono che emette è infatti la nota LA. Il diapason è “ a fiato” e in pratica si tratta di un fischietto la cui intonazione può essere leggermente imprecisa. L’altro modello di diapason è quello “a percussione ” e si tratta di una forcella metallica (per intenderci a forma di U) che, fatta vibrare, emetterà l’esatta frequenza di produzione della nota LA. Questo tipo di diapason è quello più professionale, perché l’emissione del suono non è mai influenzata da fattori esterni.

    Per potere udire il suono del diapason a percussione avremo bisogno di una cassa acustica. Quindi percuotiamolo su una mano, oppure sul ginocchio, e in seguito appoggiamolo sulla cassa della nostra chitarra. Qualsiasi punto va bene, anche se la posizione migliore è in corrispondenza della buca, al centro del corpo dello strumento.

    Come accordare la chitarra classica e acustica 

    Le componenti fondamentali della chitarra, che vanno conosciute prima di poter pensare di cimentarsi nell’accordarla, sono le corde ed i cosiddetti tasti. Le corde sono sei, numerate dalla prima alla sesta. La prima corda è quella più sottile, la riconoscerete anche perché è quella che ha toni più acuti, la sesta invece è quella più spessa, in grado di produrre suoni più gravi.

    Le difficoltà iniziano quando non si dispone di un accordatore elettronico, dovendo quindi procedere con l’accordatura ad orecchio. Avremo in questo caso bisogno di un diapason, o di un altro strumento (come un pianoforte) che possa darci una nota precisa ed intonata. Con il diapason potremo riprodurre solo la nota La, che corrisponde alla quinta corda della chitarra, dovendo quindi partire da questa per intonare le restanti. Ascoltando il suono ottenuto, andremo a girare in senso orario o antiorario la meccanica della quinta corda finché la nota non risulta perfettamente identica a quella del diapason.

    1.

     

    Iniziamo ad accordare la chitarra: il diapason ci da la nota la e su questo suono intoniamo la quinta corda a vuoto (a vuoto significa che le dita della mano sinistra non devono pigiare sulle corde né sulla tastiera). Girando la chiavetta corrispondente a questa corda (in avanti per tendere ulteriormente la corda e quindi, alzare il suono; indietro per abbassarlo), cerchiamo di uguagliare i due suoni, cioè quello emesso dal diapason e quello ottenuto pizzicando la corda.

    2.

    Premere con l’indice la quinta corda al quinto tasto. Al suono ottenuto intonare la quarta corda a vuoto. Premendo la quinta corda in corrispondenza del quinto tasto otterremo la nota Re, che dovrà corrispondere a quella riprodotta dalla quarta corda suonata libera.

    3.

     

     

     

    Premere la quarta corda sempre al quinto tasto e intonare la terza corda a vuoto. Eseguiamo la stessa operazione, come prima, con la quarta corda (Re), premendo il quinto tasto per ottenere un Sol ed accordare così la terza corda

     

    4.

     

     

     

    Attenzione. Si passa al quarto tasto. Premere la terza corda al quarto tasto e intonare la seconda corda a vuoto.

    5.

     

     

     

    Si torna al quinto tasto. Premere la seconda corda al quinto tasto e intonare la prima corda (il cantino) a vuoto.

    6.

     

    Spostarsi al settimo tasto. Premere la quinta corda e intonare la sesta corda a vuoto. Oppure basta pizzicare la prima corda che è uguale alla sesta, solo che quest’ultima è due ottave sotto.  Per quest’ultimo passaggio occorre un orecchio ben sviluppato, si consiglia di provare a suonare contemporaneamente la prima corda e l’ultima finché i due suoni non risultano perfettamente in armonia. In alternativa, se disponiamo di un altro strumento già accordato, è possibile partire ad accordare la chitarra dalla sesta corda, proseguendo poi ad aggiustare la tensione delle successive come spiegato in precedenza

     

    L’accordatura relativa

     

    Con il termine di accordatura relativa ci riferiamo a una metodologia d’accordatura che non utilizza dei suoni di riferimento esterno per potare a termine il processo. Questa metodologia può essere utilizzata nel caso in cui si utilizzi la chitarra per suonare in solitudine. Vi basterà semplicemente far intercorrere tra le varie corde delle determinate distanze tra i toni. Invece, questa tecnica è fortemente sconsigliata nel caso in cui abbiate un ruolo all’interno di un gruppo musicale. Sebbene con questo metodo le corde produrranno suoni dall’adeguata distanza tonale, non si riuscirà a produrre la nota esatta che invece è richiesta. Per utilizzare questo metodo, inoltre, bisogna possedere un buon “orecchio relativo”, bisogna cioè essere in grado di riconoscere il numero di toni e semitoni che intercorrono tra un suono e un altro.

    Accordare la chitarra utilizzando gli armonici naturali

     

    Chi suona la chitarra da qualche tempo è a conoscenza del fatto che le sei corde di questo strumento, partendo dalla più bassa, sono rispettivamente le note MI, LA, RE, SOL, SI, MI. Inoltre, è probabile che sia nota la tecnica più utilizzata per accodare, cioè suonare il quinto tasto di una corda e far sì, girando le chiavi, che la prima corda libera successiva produca lo stesso suono. Questa tecnica non diversa molto da quella che sarà spiegata di seguito, che utilizza gli armonicial quinto ed al settimo tasto.

    Come prima cosa procuratevi un LA da una fonte esteriore. Per farlo potete benissimo utilizzare un diapason. Ottenuto quindi il LA, è necessario suonare l’armonico al quinto tasto della corda LA, che riproduce questa particolare nota. Questo suono deve quindi essere identico al suono emesso da qualunque altra fonte esterna utilizzata per ottenere il LA. Fatto ciò sarà quindi stata accordata la prima corda. A questo punto potete certamente pensare alle altre.

    Ricordate sempre che l’armonico al quinto tasto di una corda ha lo stesso suono dell’armonico al settimo tasto della successiva. Quindi, dopo aver accordato il LA, suonate l’armonico al settimo tasto del LA ed accordate la corda MI facendo si che il suono dell’armonico al quinto tasto sia uguale a questo. Lo stesso procedimento vale per le altre corde: il quinto tasto del LA deve corrispondere al settimo della corda RE ed il quinto del RE al settimo del SOL. Il quarto tasto della corda RE deve corrispondere al settimo della corda SI. Infine, il quinto tasto del SI deve essere uguale al settimo del MI.

    Ulteriori informazioni consulta: Armonici

     

    Usare un accordatore elettronico

     

    Il metodo, il più semplice ed immediato, è quello di utilizzare un accordatore elettronico: sarà sufficiente porre l’apparecchio sulla paletta della chitarra, fissandolo per mezzo dell’apposita molletta. Suonando le corde una per volta, vedremo comparire sullo schermo la nota a cui corrisponde il suono prodotto. Andremo quindi a tendere o ad allentare ogni corda fino a che l’accordatore non indicherà esattamente la nota che desideriamo.

    Come accordare la chitarra elettrica

     

    La chitarra elettrica, a differenza di quella acustica o classica, necessita di un’accordatura più scrupolosa. Essa infatti dipende anche da altri elementi. Ad esempio, dal tiraggio delle viti che regolano la distanza delle corde. Oppure dalla tastiera e dai pick-up. Ed anche dall’avanzamento di ognuno dei ponticelli che formano il ponte. Per accordare la chitarra elettrica, si possono scegliere diverse tecniche. Esistono difatti quelle tradizionali o quelle tecnologiche. Qui di seguito ne vedremo alcune delle più significative.

     

    Accordare la chitarra elettrica con il diapason

     

    Per accordare la chitarra elettrica, il diapason è il metodo più lungo e complesso. Ciò nonostante, è bene conoscerlo per qualsiasi evenienza. Sarà senz’altro utile in caso di qualche guasto o disguido di un accordatore di “ultima generazione”.  Il metodo tradizionale del diapason si effettua con l’utilizzo dell’omonimo strumento. Si tratta di un oggetto di metallo a forma di “Y” che emette la nota LA, una volta percosso. Per accordare la chitarra elettrica, bisognerà pizzicare la quinta corda (LA). Il tutto finché questa non emetterà la stessa nota emessa dal diapason (un’ottava più sotto). A questo punto, si premerà la quinta corda al quinto tasto, ottenendo un RE. Grazie a questa nota, si potrà accordare la quarta corda. La si suonerà prima a vuoto, modificando la tiratura della corda per il risultato della nota corrispondente. Adesso si premerà la quarta corda al quinto tasto, con l’esito di un SOL tramite il quale si può accordare la terza corda. Proseguendo, si premerà la terza corda al quarto tasto. Ed ecco la nota SI per accordare la seconda corda. La pressione poi andrà sulla seconda corda al quinto tasto, con il risultato del MI per la prima corda (MI cantino). Rimane infine la sesta corda, che dovrà emettere la stessa nota della prima (MI). Ma di due ottave più sotto.

     

    Accordare la chitarra elettrica con l’accordatore

     

    Per accordare una chitarra elettrica, l’utilizzo di un accordatore è il sistema più rapido. Basterà l’inserimento del cavo jack della chitarra elettrica nell’accordatore. Sia con l’uscita dell’amplificatore o della stessa chitarra. Il sistema analizzerà il suono emesso, mostrando con dei led, degli aghi o altro la perfetta accordatura di ogni corda. La sua velocità e comodità lo rende pratico anche per accordature particolari. Inoltre l’accordatore consente un rapido controllo prima di ogni esibizione.

     

    Accordare con i video e gli audio files del web

     

    Se non si è in possesso di diapason ne di accordatore, si può ugualmente accordare una chitarra elettrica. Con delle semplici ricerche sul web, si troveranno parecchi video ed audio files con le note di accordatura. Per poterle così ricreare sulle corde della chitarra elettrica. Con la disponibilità di una scheda audio, si possono anche sfruttare dei programmi in grado di trasformare il PC in un accordatore digitale.

     

    Non dimenticare mai:

     

    • Girate le meccaniche senza sforzare troppo per non rischiare di rompere le corde.
    • Badare  ad accordare lo strumento molto spesso, soprattutto quando le corde sono nuove e da poco montate.
    • Se una corda oppone troppa resistenza mentre giri la chiave per alzare il tono, fermati o rischi di spezzarla! (in questo caso allenta la sesta corda – Mi basso – e ricomincia da capo).
    • Se non possiedi un buon orecchio relativo, non provare ad accordare la chitarra senza un suono di riferimento, perderesti solo tempo!

    Per suonare con altri, è necessario che tutti gli strumenti siano accordati secondo lo stesso suono di riferimento, di conseguenza per accordare la chitarra avrete bisogno di un altro strumento che produca un suono chiaro a cui fare riferimento, come un pianoforte, un diapason o un accordatore. Se avete a disposizione un pianoforte vi basterà regolare le note delle corde a vuoto con i tasti corrispondenti del pianoforte. Utilizzando un accordatore elettronico si ottengono i risultati migliori in tempi rapidi: questo strumento è in grado di riconoscere il suono che state producendo e di indicarvi se c’è bisogno di allentare la corda o stringerla. 

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